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Instalação contemporânea é arte que não deixará vestígios

by Arte

Instalação é talvez a expressão artística que mais caracteriza  a arte contemporânea, mas o seu destino é inevitável: a impermanência.

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O Rapto das Sabinas, na forma de uma vela colossal para fazê-la queimar lentamente durante a exposição e abandonar à sua aniquilação. Urs Fischer/ Veneza 2011

É o signo da atualidade, pelo qual o observador é bombardeado pelos estímulos sonoros, táteis, eletrônicos e visuais, sem que ele tenha possibilidade de interiorizar a sua procedência.

O que é uma instalação na arte

A instalação é uma manifestação artística organizada dentro de um ambiente a partir de um conceito determinado pelo artista, que pode ou não ser desmontada e transferida para outro local.

O sentido efêmero dessa poética artística, que começou a aparecer nas décadas de 60 e 70 do século passado, com o desenvolvimento da vídeo arte, da performance corporal, da tecnologia, reflete o mundo moderno, que se esvai e que se descarta rápido. Então a pergunta é, como as gerações futuras irão desfrutar de uma arte que desaparece?

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Inhotim

A impressionante instalação de De Lama a Lâmina, em Inhotim, Minas Gerais, é um exemplo da efemeridade. Mathew Barney elaborou sua instalação a partir de domo geodésicos em aço e vidro, trator florestal e escultura em polietileno.

De Lama a Lâmina é o último desdobramento de uma performance criada cinco anos antes (2004) a obra em questão (2009), num carnaval, junto com um parceiro músico, cujo princípio organizador da obra evoca o dualismo entre a criação e a destruição, progresso e conservação, fecundidade e morte.

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O Vermelho Real de Tunga, em Inhotim, é também contundente e tem como finalidade pontuar o quanto a vida é efêmera.

“O tempo é implacável  e o vermelho desbota, evapora como o sangue também, sem o sangue, sem fertilidade, a vida se esvai. A instalação contemporânea é temporal, sobretudo True Rouge, o Vermelho Real, que contextualizado evapora pela luz, a energia da vida….”

Algumas instalações apresentadas nas bienais, tanto de São Paulo como a de Veneza, muitas delas poderão ser vistas em fotos que documentam o trabalho do artista e representam o momento da exposição, o conceito a que propõem para o diálogo com o espectador.  Mas elas só existiram para  fazer a leitura do comportamento da humanidade naquele momento.

Vídeos e outros recursos tecnológico têm um tempo limitado de vida, portanto, são passageiros  e pouco deles permanecerão por mil anos. Não são como o mármore duro e frio e quase eterno.

No entanto, viver uma instalação nestes moldes é provar  de algo além do que se conhece dentro de si, entrando num mundo em que a porta sensorial é estreita, às vezes invisível e articulada em seu efeito.

As instalações artísticas externam o lado mais subjetivo da consciência do sujeito e são colocadas como desafios para espectador vivenciar ou “êxtase” ou “ódio”.

São obras que fazem parte do mundo contemporâneo que hoje está se desintegrando, com a expectativa do fim do caos para se estabelecer a ordem, num novo começo sem vestígios do passado.

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Entre vinhos e história: de Champagne a Borgonha em carro

by Blá-bláViagens

Faz uns 10 anos que assisti um filme sobre um cara que queria uma viagem incrível na Califórnia percorrendo todas as melhores vinícolas da região. Nela, começa a contar sua paixão pelos vinhos elaborados com as uvas Pinots Noirs.

Quem gosta de vinho sabe exatamente que filme eu me refiro: Sideways. Eu lembro que nessa época eu nem era tão apaixonada pelo mundo vitivinícola como agora, mas lembro de ter ficado fascinada com o personagem. Como uma pessoa pode adquirir tanto gosto e apreço por uma planta?!

Sideways me inspirou a viajar pela França e conhecer a região dos vinhos

Esse filme despertou não só meu interesse pelos vinhos elaborados com uvas Pinots, mas também pela região tão famosa e conhecida, produtora dos melhores vinhos do mundo: a Borgonha.

Preparei minha mala e planejei detalhadamente uma viagem de 15 dias pela França de carro. Minha intenção não era só percorrer a Borgonha mas aquilo que os dias , a vontade e a quilometragem deixasse.

Era eu, uma malinha de mão, um guia turístico do país, o carro e o GPS me guiando: o destino – aonde o vento me levar.

Champagne

Sai da Bélgica com destino a Champagne, com primeira parada em Reims, uma cidade histórica da província, berço  do Champagne como conhecemos hoje em dia. A cidade é pequena e de fato não é muito bonita, mas pra quem gosta de história e principalmente relacionada com o nascimento do Champagne, Reims é uma das paradas obrigatórias nessa viagem.

Éperney

Dormi uma noite ali e logo de manhã segui para Éperney, outra cidade ainda menor que Reims mas muito mais importante quando falamos de vinho e de Champagne. A pequena vila de Éperney gira em torno do turismo enológico e da produção de uns dos melhores Champagnes da região. A cidade esta rodeada por vinhedos, entre eles o grande e conhecido Möet & Chandon, com um belo chateau no centro da cidade que oferece visitas e degustações diárias.

Diz a lenda que existem cerca de 200 milhões de garrafas no subsolo da cidade. Infelizmente não pude verificar se a cifra é real.
Troyes
Troyes

Troyes

Certamente dos três destinos que tive a oportunidade de visitar em Champagne, o mais pitoresco e charmoso sem dúvida é Troyes. A cidade que tem forma de uma rolha de champagne, convida o turista a ver a arquitetura mais singular de toda região. Suas casas de madeira, ruas estreitas, palácios, igrejas, esculturas e vidreiras são o legado de uma das correntes artísticas mais importantes de cidade: a Escola de Troyes. Bastou com um passeio para ver que essa cidade era realmente impressionante.

Borgonha

Depois de Troyes, Champagne para mim tinha acabado, mas a viagem estava apenas começando.  A ideia era começar a adentrar pelos vinhedos da Borgonha respeitando a sua geografia. Mas nada mais do que começar a dirigir.  Fiz uma lista meio anárquica saltando de vinhedos a cidades históricas, vilas charmosas e paisagens exuberantes. Realmente a Borgonha era um mundo a parte que eu não ia conseguir explorar em tão pouco tempo.

Dijon
Dijon

Dijon e Baune

De Troyes fui direto a Dijon, que acho que todo mundo conhece pela tão famosa mostarda que leva o seu nome. De fato, nessa viagem fiquei sabendo que a mostarda de Dijon é apenas um processo que foi feito em Dijon, mas que pode ser reproduzido em todo o mundo levando o mesmo nome.

A cidade é um encanto e emana esse ar “Je ne sois quoi” francês que faz com que tudo ganhe movimento, elegância e beleza. Depois de París e Lyon, é um dos centros culturais mais importantes do país. E vale a pena não só visitar por sua cultura enológica senão também pelo encanto da sua arquitetura e a beleza da sua natureza e os gostos mais singulares da sua gastronomia.

Museu da Mostarda em Beaune
Museu da Mostarda em Beaune
Aula para aprender a fazer mostarda
Aula para aprender a fazer mostarda

Como fazer mostarda

Passei meus dias entre Dijon e Baune, a outra cidade da região linda e que possui uma oferta turística muito singular. Ainda que Dijon seja conhecida como a capital da Mostarda, Baune tem o que Dijon não tem: o museu da mostarda, com direito a visita guiada, degustação e aula gastronômica “faça você mesmo”.

Hospicie de Beaune
Hospicie de Beaune

Considerando todo seu legado vitivinícola, a cidade tem um turismo que gira em torno disso: com museu do vinho que explica sobre a história dos principais produtores locais e suas principais denominações de origem. Do lado do museu encontramos o Hospicies de Beaune, um hospital fundado em 1443 que atendia as pessoas mas carentes da região. Desde 1859, para arrecadar fundos para a manutenção do hospital, seus donos começaram a leiloar os vinhos que eram produzidos nas suas terras. Hoje em dia, pessoas de todo o mundo vão a cidade em novembro só pra comprar algumas das suas famosas colheitas. 

Côtes D’Or e Côte de Chalonnaise.

Borgonha está dividida em várias regiões vinícolas; as importantes e visitadas nessa viagem foram: Côtes D’Or e Côte de Chalonnaise. Cote D’Or está dividida em outras duas regiões; ao norte, se localiza Cotes-de-Nuits e ao sul  Cotes-de-Beaune.

Cotes-de-Nuits e Cotes-de-Beaune

Em geral, em Cotes de Nuits se produzem vinhos mais estruturados, equilibrados e intensos, enquanto em Cotes de Beaune predomina vinhos como elegância e frescor. Toda regra porém tem sua exceção, e Cotes de Baune também pode produzir vinhos tão bons como os que produzem em Cote de Nuits: um exemplo claro esta na visita que fiz ao Chateau Pommard, um vinhedo de alta gama, localizado em Cotes de Baune mas que produz um vinho de excelente qualidade e delicadeza. Cada parcela do vinhedo tem um “terroir” diferente, que proporciona diferentes aromas em uma única uva.

Chateau Pommard
Chateau Pommard

Além da qualidade do vinho, o Chateau Pommard também é conhecido pela sua elegância, o que não é um imperativo nas visitas as bodegas da região.

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Além dos tintos famosos, a Borgonha tem uma produção muito importante de vinhos brancos, mais bem 90% da sua produção. Entre as denominações de origem mais conhecidas está o Chablis e entre as uvas mais cultivadas a Aligoté e a Chardonay.

Entre Baune Dijon e muitos vinhedos, ainda tive oportunidade de visitar Flauvigny (a cidade que foi rodada o filme Chocolat), Vezelay (que tem uma catedral impressionante), Salieu, Cluny (e o seu Mosteiro) até finalmente chegar a Lyon.

Pra quem tem tempo, aconselharia mais de três semanas para fazer esse tipo de viagem. Confesso que fiquei com retro-gosto na boca de não ter tido visitado mais bodegas. Mas também isso é sempre uma boa desculpa para voltar!
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Giotto di Bondone mudou as regras da pintura na Idade Média

by Arte

O pintor italiano Giotto di Bondone(1266-1337)  fugiu às imposições e hierarquias rígidas desenvolvidas pelos pintores da Idade Média tanto no Ocidente (onde imperava o gótico), quanto no Oriente (onde surgiu o estilo bizantino). As regras determinavam a importância dos personagens pintados.

Deus surgia sempre acima de Cristo e a figura de Jesus tinha que ser maior do que a dos anjos. Estes só podiam aparecer acima dos santos. E, ao fundo, ouro, ornatos, nada de árvores, de montanhas, de vida.

O mestre florentino, por sua vez, fugiu por completo das regras e fez do homem o foco das cenas que pintava. Ainda deu-lhe como ambiente o mundo real, embora moldando este à sua vontade. Não produzia uma vida estática e nem sentimentos estereotipados. As emoções eram transmitidas de forma real.

Graças a isso, suas figuras ganharam não só humanidade, como também individualidade. Ao contrário dos santos que eram pintados na época, os de Giotto impressionam por terem expressão humanas.

Sobre a vida

A vida do pintor Giotto di Bondone  é ainda tema de grandes discussões entre os estudiosos, ao contrário de suas obras que assumem comprovada importância na história da arte. O mestre italiano foi revolucionário para época em que viveu ao imprimir um estilo próprio e alterar a forma abstrata e transcendente de representar a iconografia religiosa na arte bizantina, além de desenvolver a tridimensionalidade em seus trabalhos.

Maestà é a obra-prima

A obra “Maestà”que se encontra no acervo da Galleria degli Uffizi, em Florença, é um exemplo da grande atenção dada pelo artista fiorentino ao fato de humanizar os personagens religiosos na pintura. O trono que acolhe Nossa Senhora e o Menino Jesus assemelha-se a uma oratória, ornamentada de maneira gótica com refinadas incrustações em mármore. A forma tridimensional da estrutura dá uma sensação de veracidade ao espaço e isso representa tipicamente a cuidadosa visão de profundidade dos trabalhos de Giotto.

A evidente desproporção da Virgem Maria em relação a outras figuras é devido a exigência de mostrar a imagem de Nossa Senhora em magestade a um número maior de fiéis. Os vasos rosa nas mãos dos arcanjos, símbolos marianos de pureza e castidade, estão entre os primeiros exemplos medievais de natureza morta, já experimentado por Giotto nos afrescos padovaneses. A magistral atenção de Giotto ao fato de aproximar seus personagens à realidade é evidente na obra, não só nas figuras humanizadas, mas também nos detalhes surprendentes da madeira nodosa aos pés da Virgem Maria.

Foto por Mari Weigert. Prédica Diante de Honório III - Assisi
Foto por Mari Weigert. Prédica Diante de Honório III – Assisi

Diante de Honório III

A obra Prédica Diante de Honório III, São Francisco de Assis, também revela a preocupação de Giotto com a humanidade das figuras representadas.

Foto por Mari Weigert. Última Ceia - Munique
Foto por Mari Weigert. Última Ceia – Munique

Santa Ceia

Verifica-se na Última Ceia, Pinacoteca Velha, Munique, a condição humana presente na cena: os rostos dos apóstolos são humanos e humanos são seus movimentos. A composição é dinâmica, realista. O Juizo Final ,Capela dos Scrovegni, Pádua, mostra que os rostos não são idealizados e há uma fidelidade à imagem real das pessoas. Mais uma vez, transparece o empenho do pintor em retratar de uma forma autêntica a condição humana.

Pouco se sabe da origem de Giotto

As únicas informações corretas da vida de Giotto di Bondone – assim denominado por ser diminutivo de anjo, talvez, de angiolo – é sobre o seu nascimento em Colle di Vespignano, uma pequena aldeia nos arredores de Florença e de que sua origem camponesa e humilde.

Conta a lenda que um personagem destacado nas rodas artísticas de Florença, Cenni di Peppo, mais conhecido por Cimabue, passou pelo local onde Giotto costumava ficar cuidando das ovelhas e se interessou pelos desenhos que o pastorzinho fazia dos bichinhos nas pedras.

Para surpresa de Giotto, o viajante perguntou ao menino se agradaria a ele fazer do desenho uma profissão e aperfeiçoar-se na arte de pintar. Com o consentimento dos pais, o garoto aceitou o convite e a partir daí, tornou-se o seu aprendiz. Mesmo durante o período em que aprendia a dominar os pincéis, cores e formar valores pictóricos, o futuro mestre italiano teve tempo de desenvolver idéias próprias sobre a pintura.

Como se moldou a arte brasileira de vanguarda

by Arte

Arte no Brasil era pura imitação do que se fazia na Europa. Importada como eram importados alguns dos povos que viviam neste gigantesco território.

A pesquisa realizada por Maria de Fátima Morethy Couto, na obra “Por uma Vanguarda Nacional”, faz um mergulho na história da arte do país – 1940 a 1960 – e de forma minuciosa apresenta o debate crítico desenvolvido nesse meio tempo.

Aliás, na escolha deste período autora já reforça a condição que os momentos mais ricos em acontecimentos da história da arte brasileira começam a partir dessas décadas. Século XX.

Certamente, a afirmação é verdadeira, considerando a história do Brasil, um país colonizado por europeus, por uma corte escravagista. Como a arte brasileira se moldou dentro desse contexto?

Imitação

Como fica arte num país em que, numa reflexão metafórica ainda é jovem, com pouco mais de 500 anos – comparando aos mil tantos anos da Europa – e que seus filhos são, em alguns estados, a terceira ou a quarta geração de estrangeiros estabelecidos no país.

De tal forma, a gestação e infância histórica – no Brasil Império e nos primeiros anos de República – na arte era pura imitação do que se fazia na Europa. Importada como eram importados alguns dos povos que viviam neste gigantesco território.

Os movimentos artísticos surgem de forma mais acentuada depois da segunda guerra mundial, quando o mundo desenvolvido (colonizador) se tornou vulnerável vacilou economicamente ao ponto, inclusive, de possibilitar ao já então povo brasileiro, o de sonhar em se tornar o novo centro cultural artístico mundial…..

Portanto, na evolução da história a certa personalidade que a arte brasileira começa a adquirir é após a segunda guerra. Pelo menos é o que se observa nos registros da época.

Os antropólogos, com certeza, diriam que  é preciso de no mínimo 200 anos para uma família imigrante adquira os hábitos e costumes do novo país que adotou como pátria.

Portanto, o nosso país colonizado pelos portugueses, negros vindos como escravos, alemães, italianos, poloneses, entre outros – pudesse depurar a cultura anterior e estabelecer características próprias e harmonizar-se com seu novo habitat, precisou no mínimo de 200 anos para formar o novo povo brasileiro.  Incluindo mais o índio que é o verdadeiro brasileiro,  o esse novo brasileiro que surgiu dessa grande mixagem precisou de mais de dois séculos para formar a identidade própria, uma personalidade.

 É neste quadro de evolução histórica, étnica, social que também a arte brasileira se molda.

‘Por uma Vanguarda Nacional’  é uma obra que envolve o leitor ao resgatar artigos e escritos da época, os debates, as controvérsias, crises, questões de um país que foi colônia e agora atingiu o patamar do sub  –  colonialismo mais moderno –  e o quanto as aberturas políticas, a repressão dos regimes  autoritários interferiram na estruturação de uma cultura artística no país.

(….)Se, em um primeiro momento, ser moderno significa acertar o passo com a Europa, após 1924 os artistas da vanguarda brasileira julgaram primordial participar da construção de uma cultura “verdadeiramente” nacional. Tornou-se então essencial não mais assimilar de maneira correta as “lições do estrangeiro”, mas voltar o olhar para o território brasileiro e criar uma arte livre de interferências externas.(…) [1]

Depois da tentativa de alguns dos fundadores da modernidade do país, como Anita Malfati e Tarsila do Amaral, tentarem afinar com a vanguarda pouco se fez de diferente até 1940, com a introdução da arte abstrata. Nesta época, no livro de Maria de Fátima é possível entender como foi forte a resistência da crítica ao novo, principalmente, de Mário de Andrade.

(…)  Entretanto, em um ambiente cultural fortemente nacionalista e preocupado com o poder de comunicação da obra de arte como era o do Brasil da época, a reação da crítica só poderia ser negativa. (…) Mário de Andrade, como era de se esperar, rejeitou de imediato o caráter abstrato desses trabalhos (…)

Mais adiante, a pesquisa da autora mostra com detalhes o impacto que as grandes Bienais começaram a provocar no mundo da arte no Brasil. Na década de 50, que se apresenta como um “boom” no desenvolvimento da vanguarda brasileira.

Bienal

Principalmente a primeira Bienal do Museu de Arte de São Paulo, realizada em 1951, que contou com a participação de 20 delegações estrangeiras e  apresentou mais de 1.500 obras. A amplitude desta Bienal – diz a pesquisa – atesta a intenção de seus promotores de incluir o país no circuito internacional de exposições, rivalizando com as Bienais como a de Veneza.

(…) Entretanto, se os anos 1950 foram marcados por uma revolução profunda na produção artística nacional e pela difusão da arte  abstrata em todo o país, a ascendência da geração modernista sobre o meio artístico e intelectual brasileiro era ainda evidente em 1951. (…)

Desta Bienal participaram artistas consagrados como Lasar Segall, Di Cavalcanti, Cândido Portinari, entre outros e quem recebeu o prêmio de melhor pintor nacional foi Danilo Di Prete, artista italiano que se estabelecera no Brasil. Isso causou grande polêmica.

Na verdade, os regastes da crítica apresentado na obra de Maria de Fátima demonstram a grande confusão existente no meio cultural brasileiro e o fato do Brasil estar ainda atrelado às tendências internacionais, de tal forma, que não conseguia extrair de seu meio um talento capaz de ganhar uma Bienal, que não fosse os já projetados e conhecidos como Portinari, Cavancanti e outros.